Bernard Herrmann: El compositor que convirtió el suspense en música inolvidable

Datos personales

Biografía completa

Bernard Herrmann nació el 29 de junio de 1911 en Nueva York, en el seno de una familia judía de origen ruso. Su padre, Abram Dardik Herrmann, era óptico de profesión, un hombre severo pero con gran pasión por la música, que se ocupó de que sus hijos crecieran rodeados de partituras y discos. Su madre, Ida Gorenstein, fue ama de casa y la encargada de alimentar en Bernard y su hermano mayor, Louis, la sensibilidad artística. La familia vivía en el Bronx, el popular barrio neoyorkino que en aquellos años bullía con la mezcla de culturas de inmigrantes europeos.

Desde niño, Bernard mostró un carácter obstinado y una curiosidad insaciable. No tardó en demostrar que lo suyo era la música. Su padre lo llevaba a conciertos de la Filarmónica de Nueva York y le regalaba partituras que el pequeño estudiaba con gran entusiasmo. Con veinte años ya dirigía una pequeña orquesta de barrio que él mismo había fundado: la New York Chamber Orchestra, en la que se curtió como director y organizador.

Herrmann estudió primero en la Universidad de Nueva York, donde tuvo como maestro a Percy Grainger, pero pronto dio el salto a la Juilliard School, la cantera de grandes músicos estadounidenses. Allí recibió formación en dirección orquestal y composición, y ahondó su admiración a compositores de gran reputación como Ives o Stravinsky.

A diferencia de otros compañeros, Herrmann exploraba armonías poco convencionales y timbres que podían sonora estridentes, con estructuras fuera de los convencionalismos. Así que desde su etapa formativa ya buscaba experimentar para conseguir un sonido que le identificara y motivara.

En los años treinta, antes de llegar al cine, comenzó trabajando en la radio. Se incorporó como director musical en la Columbia Broadcasting System (CBS), donde coincidió con Orson Welles en el célebre programa The Mercury Theatre on the Air. Juntos vivirían un episodio que pasó a la historia: la emisión de La guerra de los mundos en 1938, cuya banda sonora y atmósfera sonora ayudó a crear Herrmann. Ese sería claramente un punto de inflexión, porque el propio Welles le daría su primera gran oportunidad.

Carrera como compositor de música para cine

Welles tenía en la mente un proyecto en el que quería poner todo su conocimiento del lenguaje cinematográfico, y con un control creativo fuera de lo común para la época contrató al compositor para Ciudadano Kane (1941). Fue un acierto total, porque compuso una partitura que no sonaba a “música de estudio” como la que entonces inundaba los estrenos, sino a algo nuevo, narrativo, psicológico.

Para la película apostó por motivos cortos, repetitivos y atmosféricos, que retrataban la psicología del protagonista, en ella introdujo un uso experimental del leitmotiv, cada etapa de Kane tiene una identidad musical distinta. La banda sonora no tiene una gran melodía central al estilo clásico, sino un conjunto de motivos que reflejan la dualidad del protagonista: poder y vacío.

La partitura de Citizen Kane le valió a Herrmann una nominación al Oscar, pero la estatuilla la consiguió ese mismo año con otra obra maestra, El hombre que vendió su alma (The Devil and Daniel Webster, 1941). En su primer año como compositor de cine, logró ser candidato con dos trabajos distintos en la 14 edición de los premios de la Academia y llevarse la victoria con uno de ellos.

Con ese sorprendente debut Herrmann demostró que no era un compositor cualquiera, pero fue su siguiente colaboración, la que probablemente haya pasado a la historia como la más representativa de su carrera, la que empezó con el director Alfred Hitchcock. Creando partituras que todo amante del cine es capaz de recordar como Con la muerte en los talones, Los pájaros y, por supuesto, la icónica Psicosis, donde convirtió un simple chirrido de cuerdas (violines, violas y violonchelos), en un sonido aterrador para la mítica escena de la ducha.

Herrmann demostró durante su carrera ese espíritu innovador que tenía desde su etapa formativa. En Ultimátum a la Tierra (1951), utilizó theremines, uno de los primeros instrumentos electrónicos para crear una atmósfera alienígena que sentó otro nuevo precedente dentro del cine de ciencia ficción, después ampliamente repetido. Más tarde fue llamado para proyectos de fantasía como Viaje al centro de la Tierra (1959) o la famosa versión de Jason y los argonautas de 1963.

Pero una de sus cimas creativas se dio precisamente casi en su ocaso como compositor de cine, y fue gracias a su trabajo para Taxi Driver (1976), donde creó una banda sonora experimental y fascinante que recogió perfectamente el espíritu oscuro del film y la transformación que va sufriendo el protagonista Travis Brickle. Para ello uso melodías de jazz que recordaban al cine negro fusionándola con frases cortas y momentos estridentes y percusiones militares. El jazz dialogaba con las largas noches de travesías en el taxi recorriendo la ciudad, y los momentos más altisonantes con la evolución de Travis, interpretado magistralmente por Robert De Niro.

Martin Scorsese quedó tan impresionado por su trabajo que no dudó en decir que Herrmann fue esencial para retratar su Nueva York trasnochada y que la película hiciera que el espectador respirara ese ambiente tóxico que desprendía la propia ciudad.

Carrera y obras fuera del cine

Aunque el cine fue su gran amor, también trabajó en radio y televisión. Además de su colaboración ya comentada con Orson Welles en los programas de radio «Columbia Workshop» y «Mercury Theatre on the Air», participó en la serie original de The Twilight Zone, además de componer el tema de cabecera y cierre de la 1.ª temporada (1959–60), escribió la música para siete episodios entre 1959 y 1963.

Otras series en las que fue el responsable de la música o participó fueron los western Cimarrón y Un cuchillo en la oscuridad.

Filmografía completa de Bernard Herrmann

Premios y nominaciones

Curiosidades sobre Bernard Herrmann

• Compuso la música de Psicosis en apenas unos días: Y lo hizo con un presupuesto reducido, como casi todo para la película, ya que Hitchcock tuvo que rebajar muchos costes para poder sacar adelante el proyecto, incluidos los cachés de los protagonistas, Anthony Perkins y Janet Leigh.

Bernard Herrmann y Twisted Nerve

En 1968, Herrmann compuso para la película británica Nervios rotos (Twisted Nerve – 1969) una melodía aparentemente sencilla: un silbido hipnótico que acompañaba al protagonista (Hywel Bennett), un joven con tendencias psicóticas. La pieza, que en su estreno pasó casi desapercibida, acabaría convirtiéndose en una de las creaciones más populares e inquietantes del compositor.

Décadas después, Quentin Tarantino —gran devoto de Herrmann— rescató ese mismo silbido para Kill Bill Vol. 1 (2003). En la escena en la que Daryl Hannah recorre el hospital donde está ingresada Uma Thurman vestida de enfermera, el eco de esa melodía convirtió un pasillo anodino en un corredor de terror puro. El tema se volvió un fenómeno instantáneo, siendo ese 2003 el tono de móvil más descargado y permaneciendo en la memoria de muchos fans que ni siquiera han visto Twisted Nerve o incluso ni saben de su existencia.

El propio Herrmann nunca imaginó que aquel silbido, tan perturbador como infantil, se transformaría en un icono de la cultura popular, y una de las mejores reutilizaciones del propio Tarantino, que acostumbra a reciclar a menudo músicas, planos, y otros recursos del cine que él ama para sus películas.

Herrmann inspira a Williams para Tiburón

En Psicosis (1960), Bernard Herrmann demostró que el miedo podía nacer de lo más simple: unos violines agudos, cortantes como cuchillos, sin melodía ni adornos. Aquel sonido minimalista y brutal convenció incluso a Hitchcock, que inicialmente no quería música en la escena de la ducha.

Quince años después, John Williams recogió la lección para Tiburón (Jaws – 1975). Su famoso “chan-chan, chan-chan” —dos notas repetidas hasta el infinito— fue concebido como un eco animal del recurso herrmanniano. Si en Psicosis las cuerdas eran cuchillas que caían sobre Marion Crane, en Tiburón los contrabajos y tubas son las fauces invisibles que se acercan a los bañistas.

Williams siempre reconoció esa influencia: Herrmann le enseñó que a veces menos es más, y dos notas bien usadas pueden aterrar más que cien violines.

Legado en el cine

El impacto de la música de Herrmann en la industria es incuestionable. Su técnica y estilo inspiró a compositores posteriores como Hans Zimmer y el propio John Williams. Fue pionero en el uso de instrumentos inusuales y estructuras musicales diferentes que desafiaban las normas del momento, y cuando esos riesgos vienen de una batuta inteligente, suelen tener un eco posterior.

Su capacidad para crear tensión con mínimos elementos —como hizo en Psicosis con una orquesta compuesta exclusivamente por cuerdas— abrió las puertas a nuevas formas de narrar historias a través del sonido. Ya hemos visto como Quentin Tarantino, e incluso Danny Elfman además de muchos otros han citado a Herrmann como una influencia directa en su trabajo, demostrando que su trabajo ha dejado una huella capaz de mantenerse presente en el cine de los noventa y dos mil.

No solo aportó una nueva visión para el suspense y el terror; también contribuyó a la evolución de la ciencia ficción, y hoy todavía muchos oyentes recuperan sus melodías para seguir escuchándolas o reviven con sus películas más míticas la magia que creó en su momento. Herrmann pertenece por derecho propio a ese abanico de compositores que mientras nos dure su recuerdo, seguirá sonándonos a eternidad.

Bandas sonoras de Bernard Herrmann

Hemos hecho una recopilación con los mejores temas del compositor, para que puedas escuchar esta playlist y rememorar sus bandas sonoras melódicas y sus inquietantes composiciones.