El New Hollywood se ha llamado históricamente a una época del cine americano que rompió con los estándares clásicos y fue liderada por un grupo de directores salidos de las escuelas de cine a los que llamaron los «Movie Brats«, estos eran los Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Francis Ford Coppola o John Milius entre otros.
Estos realizadores fueron los primeros herederos americanos del concepto de “Autor” en el cine europeo, que en revistas prestigiosas como Cahiers du Cinéma, habían defendido como los verdaderos artistas detrás de un proyecto cinematográfico.
Así, esas historias sin filtro, sin moral preestablecida ni tampoco final feliz, que narran historias que huelen a asfalto, a tierra mojada y sangre de caballo en sábanas de raso, están muy alejadas ya del clasicismo y muestran una personalidad que fue ampliamente aplaudida y ensalzada por la crítica internacional.
Cuando se ha mirado atrás para clasificar el cine de los años 70, siempre se ha ensalzado a estos “mocosos del cine”, cómo les llamaron Michael Pye y Linda Myles en su libro “The movie brats : how the film generation took over Hollywood”. Pero reducir lo que pasó en el cine que se producía desde Estados Unidos solo desde la perspectiva de este grupo, es un discurso profundamente incompleto.
Ni estos cineastas fueron los que rompieron las cadenas del clasicismo, ni su magnífico sello visual se germinó tampoco en las universidades donde estudiaron cine, sino en las salas de proyección y cientos de horas de visionado de cine clásico, del que bebieron cada una de las gotas de su amor por el séptimo arte.
De todo esto vamos a hablar en esta serie de artículos. Qué fue el Nuevo Cine Americano, qué reglas establecidas rompieron, cuáles eran sus características y señas de identidad, quiénes fueron sus precursores, y los directores que participaron del cambio, más allá de los nombres que siempre se citan.
Porque la revolución de los años 70 no fue solo un club exclusivo de amigos en California (los Coppola, Scorsese, Lucas o Spielberg); fue un seísmo industrial mucho mayor, un Nuevo Cine Americano. Un ecosistema complejo que se transformó a la par que el mundo que tenía alrededor. ¿Quieres saber por qué?
La muerte del cine clásico
Poner a una película como la última superviviente de la era dorada de Hollywood, es tan inexacto como necesario para situarnos. Durante las décadas de los años 30 y 60 los grandes estudios eran los motores creativos y controladores del discurso de la Meca del cine, la suya es una historia plagada de grandes éxitos, el último de ellos fue Sonrisas y lágrimas (La novicia rebelde, 1965).
Aquel gran musical de grandes decorados, canciones luminosas y final feliz fue el principio de la muerte de una forma de hacer cine. Las Majors vieron en ella un molde para recuperar su control, y trataron de replicar el éxito casi hasta la ruina, ya hablamos de ello en los grandes fracasos que forzaron el New Hollywood.
Las razones no solo fueron industriales, tenían que ver con la realidad del país, las revoluciones estudiantiles, la guerra de Vietnam, el éxito de la televisión, todo ese contexto forma parte de la radiografía que hicimos sobre la decadencia de las estrellas clásicas y por qué se hundió el cine de estudios.
Características y contrapuntos del Nuevo Cine Americano
Para entender qué diferencias hubo narrativas, técnicas y formales entre una época y otra, la mejor forma es ponerlas frente a frente, comparando cómo la industria controlaba el discurso y cómo los directores asumían la pérdida de control, pero además había limitaciones técnicas que el tiempo también consiguió mejorar.
Con algunas excepciones, por supuesto, estos eran los cánones que regían el cine clásico y las novedades.
| Cambios | Cine clásico | New Hollywood |
|---|---|---|
| Los rodajes | Se realizaban principalmente en estudios, donde se tenía control total de iluminación, extras, actores, etc. | Se prioriza rodar en la calle, en escenarios reales que convirtieran el entorno en parte narrativa y personajes de la película. |
| Código Hays | Existía un código moral que controlaba el contenido sexual, violento, lenguaje, etc. para preservar un mensaje educativo y apolítico. | Se rompe la censura, se muestra la violencia de forma explícita, la sexualidad y el desnudo se normalizan, aparece el lenguaje malsonante y el mal puede salir vencedor. |
| Iluminación | Los planos bañaban la escena con colores saturados y equilibrio de luz con pocos contrastes y focos directos para resaltar a los protagonistas. Con excepciones en el cine negro. | Se aprovecha la luz real y la técnica para generar volúmenes y efectos de luz, se rebaja la artificialidad en las escenas interiores, la iluminación de los personajes es más consciente y narrativa. |
| Vestuario | Busca destacar la elegancia y la moda a través de la pulcritud. Lo humilde es parodiado, y el vestuario está lleno de estereotipos y casi siempre impolutos. El cine influye en la moda. | Los uniformes y ropas están desgastadas, se toman tendencias de la calle para representar al ciudadano medio, se crean vestuarios distópicos. Gana lo común sobre el glamour. |
| Maquillaje | Se ensalza la belleza a través del maquillaje recargado. Difuminadores, carmín, sombras de ojos, … | Maquillaje naturalista. |
| Uso de la cámara | Cámara invisible, pocos movimientos, predominancia del plano inmóvil. | Uso del zoom, movimientos rápidos, cámara al hombro, travelling. |
| Montaje | El montaje solía ser lineal, con cortes de plano, fundidos, y ritmos lentos. | Aceleración del ritmo a través de los cortes de plano, distintos puntos de cámara, crecen las narrativas fragmentadas o los efectos y transiciones. |
| Estrellas e interpretación | Estereotipos de galanes altos y guapos, bellezas exuberantes o frágiles. La interpretación era más teatral y recitada. | Imposición del Método del Actor’s Studio, donde se vivían las emociones para transmitirlas. Protagonistas asociados al ciudadano medio. |
Etapas del Nuevo Cine Americano y ejemplos
Estas diferencias y ejemplos de cómo pueden observarse en producciones del nuevo cine americano las iremos introduciendo en siguientes artículos donde nos adentraremos en algunas de las películas representativas de esta época, que como veremos comienza en 1966 y podríamos fechar su final en 1980.
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En esos artículos analizaremos estas diferentes etapas:
Los Rompehielos y la Grieta en el Clasicismo (1966-1970)
Para que aquellos jóvenes barbudos de las Universidades pudieran llevarse la fama de abanderados de un movimiento, otros tuvieron que romper las reglas y luchar contra un sistema que todavía estaba dominado por los estudios.
Su riesgo, nuevas ideas y una mirada al otro lado del Atlántico sacaron adelante proyectos que se convirtieron en auténticos hitos contraculturales y abanderados de una nueva era. Y no, no solo eran directores con esa etiqueta de autor, también productores independientes, y estrellas que querían desvincularse del cine que se hacía.
Hablaremos de casos como el de Warren Beatty en Bonnie And Clyde (1967) o Bob Rafelson y Dennis Hooper en Easy Rider (1969). Directores clásicos como Richard Brooks que anticipó cambios en el modelo de héroe en géneros como el western y directores rupturistas que lo mataron como hizo Sam Peckinpah en Grupo Salvaje (1969)
El sistema asimila la oscuridad (1971 – 1974)
Con muchos directores clásicos que abrazaron encantados y se adaptaron a esta nueva época como Don Siegel o Sidney Lumet, surgen las primeras grandes obras de unos jóvenes estudiosos de cine, El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola o Malas Calles (1973) de Martin Scorsese.
El cine de los primeros 70 confirma que la libertad creativa de los directores era capaz de conseguir no solo películas con una gran identidad, sino éxitos de taquilla que mantenían contentos a los estudios a pesar de las disputas internas. La rentabilidad les obligaba a ceder el control.
La era de los Movie Brats: vividores frente a cinéfilos (1975-1978)
La era dorada del New Hollywood coincide con la explosión de todos esos autores independientes y revolucionarios. Steven Spielberg destruye la taquilla con Tiburón (1975), Brian de Palma convierte en éxito el terror adolescente con Carrie (1976) y George Lucas estrenó la génesis de las sagas interminables, nace La guerra de las galaxias (Star Wars: Una nueva esperanza, 1977).
Pero esos directores a los que la historia ha colocado en un pedestal intocable, no habían tenido tiempo de vivir el amor, la violencia, la traición o la muerte, no vivieron la guerra ni la Gran Depresión; su referencia para contar la vida era el propio cine. Los grandes maestros de la Edad de Oro de Hollywood, el cine francés de la Nouvelle Vague, el Free Cinema inglés, el Neorrealismo Italiano e incluso el cine nipón, fueron su espejo al mundo.
Y además no estuvieron solos en esta etapa, muchos otros directores seguían creando narrativas disruptivas, aprovechando el cambio y creando obras maestras que han perdurado como Annie Hall (1977) de Woody Allen y grandes apuestas como el Rocky (1976) que levantó Sylvester Stallone.
La megalomanía y el gran colapso (1979 – 1980)
Analizaremos cómo llegó el cambio de era por dos espadas cruzadas, el descontrol presupuestario de algunos directores que acabó con la desaparición como estudio Independiente de la United Artists, y el descubrimiento del Blockbuster moderno como vehículo para generar dinero. Este nuevo panorama cerró el grifo a los proyectos más autorales y desvió la producción en Estados Unidos hacia películas con menos carga moral pero por contra, grandes vehículos de entretenimiento.
Se salvaron los Lucas/Spielberg que perpetuaron su éxito con estrenos como En busca del arca perdida (1981), ojo, una enorme película, y otros directores que se amoldaron a la era Reagan, como el propio John Milius y su Conan el Bárbaro (1982) o Richard Donner convertido en artesano de éxitos desde Superman (1978) hasta la saga Arma Letal.
La mirada de Filmnookset
El New Hollywood no fue por tanto una época salvada por unos pocos directores que tuvieron la suficiente visión artística para crear una identidad narrativa nueva y éxitos masivos con su inspiración, fue un cambio industrial brutal que afectó a todas las estructuras del cine.
Por supuesto que una parte muy importante les pertenece, los años 70 no serían lo mismo sin El Padrino (1972), Taxi Driver (1976) o Encuentros en la tercera Fase (1977) además de otras mencionadas. Pero el Nuevo Cine Americano nació reverenciando el pasado y a la vez escribiendo su presente, donde se dieron la mano la realidad social, política y artística.
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