Stuart Rosenberg: director promesa del cine carcelario

¿Quién fue Stuart Rosenberg?

Biografía de Stuart Rosenberg

Stuart Rosenberg nació el 11 de agosto en Brooklyn, en el seno de una familia judía de clase media. Se formó en la Universidad de Nueva York, donde se licenció en Literatura irlandesa antes de dedicarse a la enseñanza.

En una etapa de la televisión en ebullición en la Gran Manzana buscó dinero extra trabajando como montador de programas de noticias, y de ahí pasó a ser asistente de dirección y director de diálogos. 

Carrera como director de cine y televisión

Ese aprendizaje le dio la oportunidad de dirigir algunos episodios de la serie The Big Story, y en 1957 consiguió hacerse recurrente, lo que le abrió las puertas para otros programas de éxito como Decoy (1957), Alfred Hitchcock Presents (59-60) y La dimensión desconocida (The Twilight Zone , 1960). 

La serie donde realmente acabó destacando fue en Los defensores (The Defenders, 1961–1965), una serie judicial revolucionaria que seguía a un equipo de abogados defensores formado por padre e hijo, Lawrence (E.G. Marshall) y Kenneth Preston (Robert Reed). El formato fue un éxito y acumuló durante su emisión 14 premios Emmy, siendo durante 3 años seguidos galardonada como la mejor serie dramática (1961, 62 y 63) y ganando el propio Rosenberg uno de los premios a la mejor dirección por el episodio The Madman.

Aun así el joven director tuvo que seguir en televisión varios años hasta que, mientras dirigía el programa del cómico Bob Hope, La hora de los famosos, empezó a intercalar la dirección de telefilmes ya decidido a dar el salto al largometraje. Mientras buscaba la historia ideal que le permitiera dirigir su primera gran película en Hollywood.

La leyenda del indomable

Ya asentado en la Meca del cine desde hace unos años, encontró en la oficina de su agente un libro sobre un rebelde preso que había escrito Donn Pearce sobre sus vivencias en cárceles de trabajos forzados en el sur de Estados Unidos. La historia de Cool Hand Luke le gustó tanto que compró los derechos para convertirla en su ópera prima.

Aunque había dirigido otras películas antes, esta era la primera en la que él mismo elegiría el material para hacerla y suponía su salto de la televisión a un gran estreno. Protagonizada por Paul Newman, el film fue un éxito rotundo y le dio al director un lugar en la historia del cine de su país al ser elegida en 2005 para incluirse en el Registro Nacional de Cine de la librería del congreso americano. 

La historia de Luke Jackson, un preso de gran personalidad y testarudo que se niega a ser doblegado por el sistema opresor del alcaide y sus guardias, se convirtió en símbolo de la contracultura americana de finales de los 60 por su mensaje de resistencia y oposición a la autoridad insensible.

Rosenberg demostró un gran talento para dotar de una simbología espiritual a la historia de Luke, y a la vez presentar a uno de los personajes más icónicos de la carrera de un Newman en alza. Combinó con gran destreza el trabajo con los personajes, presos y policías, una elección magistral de Strother Martin como alcaide, pero sobre todo el control sobre los momentos del film. 

La presentación del protagonista, cómo se gana la confianza de los reclusos, principalmente la de George Kennedy que ganó el Oscar a Mejor Actor Secundario, sus hazañas entre ellos (comerse 50 huevos en una hora), y sus recurrentes fugas frustradas. 

Si quieres saber más sobre porque esta es una de las grandes películas de su década, te animamos a revisar nuestro monográfico sobre La leyenda del indomable. 

Los 70: dentro del new hollywood

Tras el éxito con Newman, con el que llegó a trabajar en cuatro películas, ambos volverían a coincidir en Los indeseables (Pocket Money, 1972), donde el director quiso adentrarse en el western junto con otro gran peso pesado del género, Lee Marvin, pero a pesar de contar con el guion de un joven Terrence Malick, que al año siguiente sorprendió con Malas tierras (1973), aquí la película resultó un fracaso que el tiempo ha enterrado. 

A pesar del resurgir a finales de los sesenta del género con los spaghetti westerns y con la figura predominante de Clint Eastwood como exportador en Estados Unidos, lo cierto es que en el nuevo cine americano triunfaban más historias más realistas, centradas en antihéroes cansados y poco amistosos. 

Rosenberg se sumó dirigiendo San Francisco, ciudad desnuda (The Laughing Policeman, 1973), un thriller policíaco con Walter Matthau y Bruce Dern como detectives en un San Francisco violento en el que un asesino mata a todos los pasajeros de un autobús. 

La película se sumaba a esa ola de éxito del cine urbano con héroes con mala uva como Eastwood en Harry el sucio (1971) o Gene Hackman en The French Connection (1971), pero salió mal de la comparativa en su momento a pesar de hoy estar más reivindicada y Rosenberg recibió varias críticas por la violencia gratuita del film, a pesar de ello, la película funcionó mejor que la anterior. 

Aunque consiguió resarcirse dos años después, recuperando a Newman en Con el agua al cuello (The Drowning Pool, 1975), secuela de un triunfo anterior del actor, Harper, investigador privado (1966). Aquí Rosenberg mantuvo una atmósfera de cine negro marcada por la humedad y el sudor constante, con un montaje deliberadamente lento para asfixiar y teleobjetivos que captaban a Harper entre ramas, rejillas y cristales.

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Además, en la última escena consigue impactar visualmente sorprendiendo muy gratamente, los protagonistas Harper e Iris (Joanne Woodward) se quedan atrapados en una antigua sala de hidroterapia dando lugar a momentos realmente tensos. 

La película, en parte gracias al tirón del actor, consiguió recuperar presupuesto y funcionar muy bien, sobre todo en Europa. Pero tampoco devolvió al director el prestigio que había ido perdiendo, y fue un trabajo que consiguió sobre todo por las presiones de Paul Newman, que intentó echar una mano a su amigo después de sus dos últimos fracasos. 

Pero un año después estrenó una de sus películas más ambiciosas y personales, El viaje de los malditos (1976), historia de 937 judíos alemanes a quienes el gobierno cubano negó el desembarco tras escapar de la Alemania nazi y obliga a regresar a Europa acabando muchos en campos de concentración. 

Con un reparto plagado de estrellas Faye Dunaway, Max von Sydow, Orson Welles, James Mason, Katherine Ross y Ben Gazzara y que logró 3 nominaciones al Oscar, Mejor Actriz de Reparto para Katherine Ross, Mejor Guion Adaptado y Mejor Banda Sonora.

Otro de los géneros que durante los años setenta había aflorado con fuerza fue el cine de terror, donde principalmente El exorcista (1976), Carrie (1976) o La profecía (1976) habían sido grandes éxitos. Y había una productora independiente American International Pictures, que tenía los derechos para llevar al cine un best-seller que garantizaba una buena acogida si se conseguía hacerse con sobriedad. 

Necesitado de un éxito tras una trayectoria irregular, Rosenberg no dudó cuando le ofrecieron el encargo. Así nace Terror en Amityville (1979), sin duda su película comercialmente más rentable, y la historia de miedo que marcó su carrera como anunciamos al inicio. Con un presupuesto de solo 4,7 millones de dólares, recaudó más de 86 millones solo en Estados Unidos, por encima de blockbusters como Rocky II o Apocalypse Now.

La productora acertó con el tono que buscaba en el director, y sumado a una inquietante banda sonora de Lalo Schifrin, crearon uno de los grandes mitos del cine del género que se sumó a sus predecesoras. Con las que por desgracia fue comparada por la crítica para despellejarla, porque a pesar de las colas en los cines, Terror en Amityville tuvo sus detractores que la denunciaban por su falta de terror y la campaña publicitaria de hechos reales de la historia, que muchos consideraron un truco publicitario.

A pesar de ello, no se puede negar que ha creado una saga plagada de secuelas que nacieron de la película de Rosenberg, con varias secuelas en los años ochenta y noventa y que todavía hoy se sigue estirando.  

Los años 80 y 90: vuelta al origen y retiro

Tras el éxito aterrador de Amityville, decidió volver al cine humanista que más le interesaba, y de nuevo en un ambiente carcelario entregó una de las mejores películas del género, en nuestra opinión junto a Cadena perpetua (Sueño de fuga, 1994) y La leyenda del indomable (1967). No es otra que Brubaker (1980).

Protagonizada por Robert Redford, gracias a su relación con Newman le propuso como director tras ser despedido Bob Rafelson (El cartero siempre llama dos veces, 1981). En las manos de Rosenberg la historia ganó con su mirada antisistema y en favor de los oprimidos. 

Henry Brubaker es un nuevo alcaide que se infiltra como preso para reformar el sistema desde dentro y descubrir la corrupción del sistema penitenciario. Curiosamente hay un cameo de un entonces desconocido Morgan Freeman en la cinta, que esta vez sí fue aplaudida por la crítica y nominada al Oscar al Mejor Guion, devolviendo a Rosenberg parte del estatus perdido. 

Curiosamente fue su última gran película, después de ella dirigió Sed de poder (El poder del barrio), con Mickey Rourke, Eric Roberts y Daryl Hannah. Una historia sobre la vida de los perdedores que sueñan con ser mafiosos de alto nivel en la Little Italy de Nueva York.

Rourke interpreta al tipo con sentido común, mientras que Roberts hace una de las actuaciones más histriónicas y memorables de su carrera (fue nominado al Globo de Oro),  Rosenberg, formado en el respeto al actor, les permitió improvisar y llevar sus interpretaciones al límite. Ambos fueron la pareja perfecta para el tono crepuscular del film.

Su última película fue My Heroes Have Always Been Cowboys (1991), un fracaso que precipitó su retirada y vuelta a la docencia, el director era un experto en regresos a los orígenes, y así como empezó su carrera dando clases, la acabó siendo profesor en el American Film Institute (AFI).  Allí pasó sus últimos años profesionales hasta que falleció el 15 de marzo de 2007 a los 79 años, en su residencia de Beverly Hills  donde vivía con su mujer Margot Pohoryles, a causa de un ataque al corazón.

Películas de Stuart Rosenberg

Premios y nominaciones

Películas

Por qué le recordamos

Stuart Rosenberg se debatió durante su carrera entre contar historias que plasmarán sus convicciones, la presión de los sistemas corruptos y opresores sobre los hombres que buscan segundas oportunidades, y las modas del cine buscando afianzar su crédito como director rentable. 

Su cine, a medio camino entre el realismo y el simbolismo, encontró el equilibrio cuando más fiel fue a sí mismo, en sus dos películas carcelarias, La leyenda del indomable y Brubaker, y la desgarradora El viaje de los malditos. 

Seguramente no figure en todas las listas de los directores más representativos de los setenta, pero se ganó un lugar propio en el cine norteamericano. Y también aquí en FilmNookset. Rosenberg acertó al convertir las ventanas de la casa de Amityville en unos ojos vivos que miran, y eso mismo hizo con su cine.